Night on Earth

Jim Jarmusch es un director de cine estadounidense con predilección por las historias cotidianas y las relaciones superficiales. Tiene una visión del mundo muy familiar que muestra en sus películas de una manera muy peculiar.

En este caso, Night on Earth (1991) es una película compuesta por cinco historias cortas, más un anecdotario que una narración, que tienen lugar en cinco taxis en diferentes partes del planeta a la misma hora (teniendo en cuenta los usos horarios, eso sí).

Las conversaciones triviales y los paisajes urbanos que Jarmucsh rescata en sus películas son la cara menos espectacular del mundo del cine. Se recrea en el costumbrismo, y aún así siempre sorprende con su originalidad y su curioso punto de vista. Da visibilidad a las esquinas del día a día, ya sea un rincón de una calle desolada o la característica manera de hablar de un islandés, y las impregna con un característico sentido del humor.

Hitchcock -Storyboards-

He encontrado este artículo (http://filmmakeriq.com/2010/11/hitchcocks-storyboards-from-13-classic-films/) con numerosos ejemplos de los storyboards que Hitchcock utilizó para sus películas. Daba mucha importancia a la planificación de todo el rodaje, y los dibujos preparatorios son una muestra de ello. Algunos de sus autores son Saul Bass o Harold Michelson, entre otros.

Frances Ha

El género mumblecore se caracteriza por su bajo presupuesto y la importancia que se da a los diálogos naturales, en muchos casos con actores amateurs y aprovechando la improvisación. Frances Ha está dirigida por  Noah Baumbach y escrita por él mismo y Greta Gerwig, quien también hace el papel principal.

Frances es una chica bailarina que vive con su mejor amiga Sophie hasta que un día ésta decide mudarse a otro barrio con otra chica. A partir de entonces, Frances intenta reorganizar su vida sin Sophie, cada vez más ausente, y su trabajo en la compañía de baile, entre viajes y fiestas de apartamentos.

Referencias -proyecto sobre la calle-.

Para este proyecto nos interesaba trabajar con la idea de la intervención, ya fuera en el entorno urbano, en una fotografía o en algún objeto. Estos son algunos de los ejemplos que encontramos.

In Holland I believe. We like painting (colectivo)

Intervenciones urbanas de campañas publicitarias

La película Big Fish

Splitting, Gordon Matta-Clark

Las fotografías tintadas de Ouka Leele.

Dredd

Es una película de 2012, adaptación del personaje de John Wagner y Carlos Ezquerra, originalmente ideado para cómic en 1977.

Con el tema del inmueble, en el que nos centramos esta semana, en seguida se me vino esta película a la cabeza. La trama se desarrolla en el interior de un edificio en Mega City 1, una megalópolis futurista en la Costa Este de los EEUU. En este edificio de 200 plantas se refleja lo que podría ser la vida en un barrio suburbano, dominado por la corrupción y las bandas traficantes de drogas.

Un detalle curioso de la película es que aprovechan el recurso de una droga inventada, el Slo-Mo, para introducir escenas a cámara lenta. El efecto de la droga es precisamente que el consumidor lo percibe todo más lento (el nombre Slo-Mo es una abreviatura de Slow Motion, que significa, efectivamente, cámara lenta) , y eso lo trasladan directamente al vídeo.

Un loco a domicilio.

Viendo un documental sobre la carrera de Jim Carrey me ha llamado la atención cómo el que escogiera determinados personajes en determinadas películas repercutió negativamente en su imagen pública. Me sorprendió porque me parece algo muy evidente que el trabajo de un actor es precisamente el de representar diferentes personalidades y comportamientos. No tendría sentido contar historias cuyos personajes fueran todos amables, trabajadores, caritativos, tranquilos... Y desde luego no sería realista. 

¿Quiénes tienen que representar entonces los papeles mezquinos, los egoístas, los drogadictos, los avaros? ¿Actores que compartieran esas cualidades? Sería absurdo. Entonces, ¿por qué el público acogió tan mal que Jim Carrey hiciera Un loco a domicilio?

La casa Emak Bakia

Creo que el sentido del humor es el punto de inflexión que diferencia una obra o una carrera. No es una característica muy habitual en los artistas, precisamente sí lo es entre los dadaístas.

El humor aporta perspectiva, diferentes puntos de vista, perder el miedo al ridículo (o incluso buscarlo), juego, experimentación.

La casa Emak Bakia tiene momentos fieles a la obra de Man Ray en ese aspecto, pero el tono general de la película es más solemne, como de entrega del premio a toda una carrera o algo por el estilo. Busca la poética y eso provoca empalago a pesar de otros muchos puntos ingeniosos (como el diálogo final, por ejemplo). Hablar del viento o del recorrido de una liebre para buscar la belleza lírica en ellos (como tantas veces se ha hecho) en vez de una ruptura o sorpresa. Esa seriedad me resulta aburrida, y desde luego no era la intención del Dadá.

Es una pena la falta de humor en el arte. Y ocurre en todos los campos, desde las galerías de arte hasta las salas de cine y los estantes de las librerías.